Des corps expressifs

Le paradoxe du nu : Comme la nudité publique est socialement réprouvée et parfois légalement réprimée en Europe dans la plupart des circonstances de la vie quotidienne, la licence pour les artistes de représenter des corps nus a fait l'objet d'un très grand nombre de commentaires.
Le plus souvent, les attaques contre le nu font appel à des notions supposées connues de tous comme la décence ou au contraire l'obscénité ou la débauche, tandis que la défense de cette « licence artistique » fournit des arguments plus complexes, variables selon l'époque et selon l'état des mœurs, articulés autour des notions de forme, de symbole, d'art, faisant écho aux diverses significations qui sont à ce moment communément associées à la nudité et à l'art.

Wikipedia

La couleur de la peau humaine est une des plus complexes qui soient. Elle change du tout au tout en fonction de la lumière et les ombres sont d’une grande délicatesse. C’est un mélange complexe avec des demi-tons très subtils.

Atanas Matsoureff

J’essaie de représenter des nus qui disent la vérité : femmes imparfaites mais femmes réelles, aux rondeurs sucrées dessus les hanches, gourmandes sur le bas des reins, femmes claires-obscures et poétiques. Lorsqu’une femme regarde une de mes peintures, j’ai parfois l’impression que, pendant quelques secondes, elle se dit que le bourrelet qu’elle a sur le ventre a beaucoup de charme, finalement.

Frank Perrot

Un visage, une âme

Qu’est-ce qui doit primer dans un portrait : la ressemblance ou l’atmosphère générale ? Tout est important ! La ressemblance avec le modèle et l’atmosphère générale. À mon sens, les deux ne peuvent être séparées : si vous choisissez de peindre une personne particulière, c’est parce qu’elle vous a inspiré. Et votre tâche consiste à donner à votre tableau une atmosphère globale.

Anna Ivanova

L’élément clé d’une grande peinture réside dans l’émotion qu’elle retranscrit. Même si les personnages représentés ne sont pas en tout point similaires aux modèles, un artiste peut néanmoins exprimer son affection pour eux et ses sentiments. Loving Mother n’est pas simplement le portrait de ma mère, pour moi cette peinture symbolise l’amour maternel, qui se manifeste par la gentillesse, la simplicité franche et le dévouement à ses tâches ménagères.

Chen-Wen Cheng

Des détails qui changent le sens

L’idée de la beauté dans le quotidien n’est pas un concept nouveau, mais elle me pousse à aider à éclairer les personnes qui ne voient pas le plaisir que l’on peut éprouver devant une vieille porte, dont la peinture s’écaille et se décolore : sa surface en bois ébréchée ou rouillée qui s’érode lentement avec le temps et les intempéries; la pierre ou le plâtre qui ressemblent maintenant à la surface de la lune, avec leurs textures cratérisées, tachées, et leur couleur délavée.

C’est grâce à un travail constant de superpositions, d’éclaboussures et de dépôt de points fins que mon aquarelle évolue en quelque chose de plus sophistiqué.
Je passe un moment à considérer la « gestalt » de la peinture car il est important que l’image finale puisse être lue comme une seule entité. Si ce n’est pas le cas, c’est que j’ai échoué. Lorsque je commence à dessiner, je me force à généraliser et à voir les grandes formes.
À partir de là, je peux placer les informations et les détails au bon endroit, avec confiance. À la toute fin, je prends un peu de recul pour regarder la peinture en plissant des yeux. Cela me permet de juger de son effet depuis une certaine distance. Si quelque chose ressort trop, je l’assourdis. En revanche, si quelque chose a besoin d’être mis en avant, je lui donne plus de présence.
Je cherche à réaliser une peinture qui reste compréhensible lorsqu’elle est vue de loin, tout en étant aussi intéressante en gros plan – d’où tous ces détails. Il n’y a pour moi rien de plus décevant qu’une peinture qui n’a plus rien à donner en gros plan.

Angus McEwan

S'éloigner de la figuration

Mes compositions sont complexes. Je n’essaie pas spécialement de les rendre complexes, mais c’est comme ça que j’envisage les différentes formes et objets lorsque je les peins. Je me dis même parfois que je vais un peu trop loin, mais la plupart du temps, cela fonctionne. La manière dont l’oeil circule au sein de la composition est quelque chose de très important pour moi : je ne veux pas que le spectateur regarde simplement ma peinture. Je souhaite qu’il y reste et qu’il soit emmené d’un côté, pour ensuite sortir de la peinture de l’autre.

Rose Nygaard

Les éléments artistiques (la ligne, la forme, la texture, la valeur, la couleur et la forme dans un espace) deviennent le sujet. C'est une peinture intuitive, mais une intuition basée sur près de 50 ans d'expérience de la peinture. Ajout de peinture, soustraction de peinture (la plupart de ces peintures sont exécutées sur Yupo, un papier plastique qui facilite l'addition et surtout la soustraction de peinture), évalue l'ensemble et recommence.

Mark Mehaffey

Aquarelle et autre médias mélangés

Mon objectif final est de fournir une peinture qui plaît, une fois terminée. Parfois j’y arrive et d’autres fois, non. Je suis toujours en train d’expérimenter. J’utilise notamment des encres Ph. Martin’s, des aquarelles et des acryliques liquides afin de créer des différences de textures. J’ai aussi commencé à introduire des éléments de collage dans mes peintures. Et la couleur est toujours au service de l’expression.

Rose Nygaard

Quand j'ai débuté l'aquarelle, j'ai suivi les stages du grand artiste américain Valfred Thëlin, véritable encyclopédie vivante des différents styles et techniques de l'aquarelle. II n'hésitait pas à la mélanger à une petite quantité de medium acrylique, obtenant effectivement de l'aquarelle à l'acrylique. II utilisait cette variante lorsqu'il avait besoin que la peinture reste bien en place pendant qu'il passait des lavis et glacis importants. Cela permettait d'obtenir des bordures impeccables, des couches uniformes, et d'empêcher certaines anomalies propres à l'aquarelle.

Nicholas Simmons

L'art de la composition

Pour moi, une nature morte est une partie du monde auquel j’essaye de donner du sens en fonction de l’histoire que je représente. Lorsque je peins des fruits juteux ou des fleurs fraîches, et si la composition le permet, alors je vais essayer d’insérer un escargot, un papillon, une abeille, un bourdon voire même un lézard car ce sont des éléments vivants de la nature et cela donne à mon tableau un sentiment de vie et de mouvement. Grâce à eux, je pense que ma nature morte est plus vivante et cela aide le public à mieux sentir mes fleurs et goûter mes fruits.

Elena Bazanova

La nature morte a été installée dans un jardin ensoleillé, sur une table ronde recouverte d’un tissu vert. Les amaryllis et les lys ont été placés dans un vase en verre. J’ai choisi divers objets pour leur forme et leurs couleurs. Positionner ces objets m’a pris un certain temps. Je ne commence pas par dessiner ma composition : je me lance tout de suite dans la peinture, aussi est-il important que chaque élément soit à sa place. Le détail du banc de jardin vient d’une photographie, ainsi que la partie dans le coin supérieur gauche. La plupart de mes peintures ont toujours un élément un peu dissimulé : ici, il s’agit d’une colombe dans la bordure inférieure de la peinture.

Shirley Trevena

La nature interprétée

Je ressens l’atmosphère clairement et je travaille de manière intuitive pour essayer de la reproduire. Mais je devrais anticiper un peu plus. Je dois par exemple apprendre davantage le déploiement intelligent des différents facteurs qui créent une ambiance.

J’ai tendance à travailler à un niveau purement visuel, laissant ainsi l’atmosphère se mettre en place pour le spectateur. En fait, je m’intéresse plutôt à la lumière et à l’impact visuel.

C’est quelque chose que j’identifie comme une faiblesse chez moi. Pour moi, la peinture de Joseph Zbukvic personnifie le paysage atmosphérique, à l’aide d’une couleur ambiante qui lui sert de matrice autour de laquelle toutes les autres s’articulent, se servant ensuite d’un vaporisateur pour fondre les couleurs et les formes entre elles, dans l’humide.
J’ai découvert également la peinture de Boonkwang Noncharoen, qui a tendance à peindre de cette manière.

Joe Dowden

Perspectives et points de vue

Mon travail est le fruit d’un savant mélange entre hyperréalisme et poésie du lieu représenté. J’espère être un observateur sensible et précis de la nature et de la ville, attentif à rendre compte des moindres variations de la lumière. Mes aquarelles de scènes urbaines restituent les beautés historiques de Paris ou de Venise, mais aussi leurs côtés insolites et mystérieux.
Les vues de Paris me permettent de représenter des perspectives atmosphériques, des horizons brumeux, des silhouettes de bâtiments qui se découpent dans les contre-jours. A l'inverse, Venise me propose, avec ses canaux, des trouées de lumière vive qui contrastent avec des premiers plans fortement ombrés. Dans les deux cas, c'est l'arrière plan, ce qui est le plus loin dans l'image, qui va amener la poésie et projeter le spectateur à l'intérieur même de l'œuvre.

Thierry Duval

Si les transports en commun insufflent de la vie, alors le métro agit un peu comme les artères ; les tuyaux et les câbles sont un peu les veines et les poumons, tout autour de nous, cachés dans l’ellipse de l’escalier en spirale.
Il s’agit de la station de métro Tottenham Court Road, le jour où elle a fermé pour rénovations : ses secrets, ses viscères se déroulant dans l’inconnu.

Mark Elsmore

Perspectives et points de vue

Il ya relativement peu d'aquarellistes qui prennent la fantaisie, ou la science fiction comme inspiration. En tout, j'en ai peu trouvé, et il me faudra chercher encore.
Mais j'ai trouvé un artiste en Belgioque qui répond à cette catégorie, ultra-représentée par exemple sur medium numérique.

     Bien que j’apprécie les Arts Plastiques sous toutes leurs formes, ma passion pratique s’exprime dans l’image figurative, dont l’aspect abstrait m’intéresse autant que l’anecdote, sans message particulier. J’essaie de créer une atmosphère ou la fusion entre le quotidien et le cosmique évoque des émotions aventureuses. Parfois je travaille sur un plan précis, parfois j’improvise... mais surtout, c’est l’image en évoluant qui me guide vers un résultat qui peut me surprendre autant que le spectateur.      

Jef Bertels

Plusieurs couleurs en une seule

Pourquoi ne garder qu'une couleur lorsqu'elles sont toutes disponibles ? N'est-ce pas aussi absurde que de jouer au piano avec une seule note ?

Et pourtant c'est un genre qui a ses maîtres. Sur du noir et blanc, ou sur une seule couleur, le monochrome est un genre virtuose, mettant en avant l'équilibre des valeurs, la composition et le dessin. Les techniques d'aquarelle demeurent, avec des fondus, les textures des pigments qui vont à la rencontre de celle du papier.

Vous trouverez sur le site quelques-unes ou uns de ces artistes qui nous enchantent avec une gamme de couleur résumée à une seule note.